Por: Amable López Meléndez,

Curador y crítico de Arte, Pasado presidente de AICA-República Dominicana y Asesor del Museo de Arte Moderno de República Dominicana. 2023

FORMAS Y RITMOS EN LA DIMENSIÓN GEOMÉTRICA es una muestra representativa de la obra de uno de los máximos exponentes del arte colombiano del siglo XXl: Gustavo Vélez (Medellín, Colombia, 1975). La exposición, reúne más de 30 esculturas abstractas de formatos pequeños, medianos y monumentales, ejecutadas por Gustavo Vélez en los materiales radicales de su preferencia: acero inoxidable, bronce, mármol y acero corten, ensayando incluso, en una serie de piezas de rigurosa factura técnica y radiantes niveles de esteticidad, aleaciones y simbiosis entre la roca y el metal que traslucen el alto grado de majestuosidad expresiva, precisión conceptual y profusión simbólica que apuntala y distingue su más reciente producción.

La presentación de esta impactante muestra en el Museo de Arte Moderno de Santo Domingo, profundiza en el interés que mantiene la principal institución artística de República Dominicana sobre las manifestaciones más relevantes y vitales de la escultura latinoamericana contemporánea. Se trata de un apretado extracto de la producción escultórica ejecutada por Gustavo Vélez durante la última década, remitiéndonos este excepcional conjunto de piezas a historias y experiencias íntimas, así como a reflexiones, procesos, percepciones, sensaciones, experiencias estéticas, búsquedas estilísticas y especificidades muy propias del artista en tanto ingenioso taumaturgo, nuevo vidente y revitalizador axiomático de la práctica escultórica disruptiva en América Latina y el Caribe.

Gustavo Vélez, volatiliza de manera sublime y con gracia inevitable la pesadez del Mármol Blanco de Carrara a la vez que subvierte con cegadora lucidez la dialéctica proverbial de la “dimensión geométrica” en obras como “Rítmica ll” (2019); Núcleo V; Fiore lll; Danza Cúbica; Hipercúbicos lV (2021); Entrambi; Ondas Geométricas; Rítmica Vlll; Hipercúbicos V; Millefoglie; Geometría Circolare; Entrecubos; Girevole; Ritmo Geométrico y Ruptura Geométrica (2022). Estas son piezas de líneas ondulantes, aristas destensadas y secciones primorosas; ritmos vertiginosos; torsiones ascendentes y movimientos expansivos en las cuales la práctica creadora y la obra escultórica de Gustavo Vélez acceden a unos niveles paroxísticos de imaginación y seducción.

En otra serie de obras en bronce y acero inoxidable que destacan en esta selección como las tituladas Nacimiento (2018); Principio y Fin (2019); Stella di Bronzo; Cósmica y Expansión Geométrica ll (2021), mediante el procedimiento del mirror finish (acabado de espejo), el brillante escultor colombiano, llega a conmocionar los propios códigos o “estados límites” de la tridimensionalidad, materializando reacciones simbólicas multidimensionales, abiertas, polifásicas y multivalentes, signadas por su deslumbrante estrategia lúdica y su insólita magnitud especular. El toque rematador de cada una de estas piezas, radica en la omnipresencia delirante de la concritud, la solidez y la volumetría del objeto como elementos intrínsecos y cristalizadores de su elocuente matericidad. La singular fuerza expresiva de las esculturas recientes de Gustavo Vélez se torna aún más fascinante, gracias a su prodigioso dominio de la línea, la modulación, el ritmo, el movimiento, el contrapeso y la secreta energía de la materia…

Por: Susanne Capolongo

Curadora.,Crítica de Arte y Directora del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de Padolfini Casa D ́Aste Florencia, Italia. Marzo 2020

Lo de Gustavo Vélez es un acto culto y refinado, la pureza estructural de sus esculturas da vida a una aniconicidad que es cálida subrayando un orden medido y definible con resultados geométricos que denotan un estudio predeterminado. Líneas sinuosas y espaciales, que evocan sentimientos ancestrales y ocultos que se refieren a los grandes escultores del pasado: de Brancusi a Barbara Hepworth, pero sobretodo a Jean Arp y Henry Moore, maestros de la abstracción en la escultura. No quiero detenerme en las formas creadas por estos dos últimos artistas, tan diferentes entre sí, en cambio deseo enfatizar su presencia, en la década de 1960, en los mismos lugares que los artistas de todo el mundo todavía frecuentan hoy: Versilia , en particular Forte dei Marmi y las canteras de mármol de los Alpes Apuanos, ya frecuentados en 1500 por Michelangelo Buonarotti.

Gustavo Vélez, estudiante en Florencia, elige como su patria creativa ese territorio que durante siglos ha acogido a escultores y artistas internacionales, convirtiéndose así en un demiurgo de materia y forma. Sus esculturas evolucionan tridimensionalmente gracias a giros calculados y graduales convirtiéndose en estructuras dinámicas. Es por esta razón que Vélez estudia la materia de manera severa y sistemática hasta develar la abstracción que preestableció. Sus formas escultóricas entran en relación con el espacio urbano y arquitectónico que las rodea, y si la arquitectura es la suma de todas las artes, la escultura nos dice lo que percibimos y es en esta comunicación, en esta conexión entre la plástica y la metafísica, entre el silencio y el expansionismo donde se encuentra el trabajo de Vélez.

La contemporaneidad y la antigüedad se convierten en la expresión artística del escultor, una expresión que no se define en el espacio de la materia y la luz, sino que va más allá del límite físico y definido. Vélez, renunciando a todo lo tradicional en el hacer creativo, opta por la variante de la autoemancipación de la escultura cuyo significado se puede leer al interior de la estructura plastica y de la materia y no viene dada ninguna otra interpretación sino aquella primariamete visible.

Gustavo Vélez realiza su lenguaje artístico con una riqueza y libertad de concepciones y resultados, dando al espectador volúmenes puristas y abstractos. La suya es una obra de fuerza y materia que se extiende al espacio como música visual, una música que se expande y contrae dando múltiples posibilidades emocionales. La investigación plástica de Vélez siempre está abierta a los estímulos que el mundo le ofrece, y el mundo siempre está listo para admirar sus obras que permanecerán en el tiempo.

Por Christian Padilla

El buen equilibrista intenta ahuyentar la idea de la muerte con la belleza del acto que realiza sobre la cuerda y logra que el espectador olvide los riesgos. Su función es crear una sensación de libertad infinita. El equilibrismo no es un arte mortal, sino un arte vital, de una vida vivida con plenitud; lo que equivale a decir que la vida no se esconde de la muerte, sino que la mira directamente a los ojos.

Paul Auster sobre Philippe Petit (En la cuerda floja)

Posiblemente la ambición humana más antigua sea la de vencer la gravedad. Desde Ícaro y mucho antes la sola idea parecía una provocación contra los dioses, un acto antinatural pero poético que desafiaba las leyes. Eventualmente la especie humana lo fue logrando.

Miguel Ángel y Bernini pretendieron erigir hacia el cielo sus pesadas esculturas de mármol sosteniéndolas en una base piramidal escondida en medio de la estructura de sus figuras. Esa especie de trípode quedaba brillantemente oculto a la vista, disimulado con personajes y objetos que no eran más que un recurso de ingeniería para asegurar la verticalidad de sus obras monumentales. El perfecto ejemplo está en el David de Miguel Ángel, que aparentemente se levanta solo en sus largas piernas de mármol, pero el escultor engaña la percepción del espectador porque esconde detrás de una de sus piernas el tronco de un árbol –también en mármol- que si bien parece darle paisaje a la escultura es principalmente una tercera base en la que apoya el peso de los cinco metros que mide la monumental obra.

La escultura de Gustavo Vélez, aunque comúnmente se le señale una semejanza y cercanía a los procedimientos y materiales de aquellos grandes maestros, realmente opera en la manera exactamente inversa. Vélez opone el trípode de los escultores del pasado a un eje único sobre el que parece que las piezas se sostuvieran mágicamente en pleno equilibrio. Aunque la pieza esté bien anclada a su pedestal, cualquier desbalance del peso en uno de sus lados puede ocasionar que se precipite al suelo. Por eso su obra se produce como un deliberado y complejo ejercicio de equilibrar las fuerzas de la materia al mismo tiempo que les da forma. Así que en medio de la creación, Vélez como artista lidia constantemente con el nada menor asunto de vencer la gravedad, un oficio peligroso cuando se trabaja con dimensiones monumentales y pesos de toneladas.

Ejercicios de Equilibrio al Borde del Vacío parece el título de la hazaña del funambulista Philippe Petit al cruzar en 1974 las Torres Gemelas en una cuerda floja sin protección, pero aquí las palabras equilibrio, borde y vacío realmente aluden no a un peligroso malabar, sino a características propias de la escultura de Gustavo Vélez logradas por medio de un deliberado y milimétrico trabajo de composición que pone al artista en contracorriente de la sensatez y el orden establecido: mientras la historia se ha venido construyendo en la dirección de la razón y el progreso, el futuro parece escrito por los soñadores que desafiaron lo que se les advirtió que era imposible. Por eso la obra de Vélez parece más del futuro que del pasado. Pero además, al sentido común y a la lógica matemática el artista opone una mirada donde la geometría se vuelve poesía. Si de él dependiera las pirámides de Egipto se hubieran construido invertidas, sostenidas en su puntiaguda cima.

El resultado de esa imagen sería algo parecido a la Pirámide Invertida del Museo del Louvre en París, una estructura de cristal que parece flotar y que cómo la obra de Vélez, toma una forma simple pero poderosamente simbólica, cargada de historia y tradición, y al darle la vuelta para pararla sobre su punta reconcilia el pasado con el futuro: para los ojos de los visitantes al Louvre la Pirámide Invertida es claramente una alusión a la arquitectura funeraria egipcia de los faraones, pero a la vez a la ingeniería posmoderna de fin de siglo XX.

Esta descabellada idea de que Vélez invertiría las pirámides la corroboré cuando visite su biblioteca en uno de sus estudios, donde encontré varios libros sobre arte del antiguo Egipto. La maravillosa escultura Expansión piramidal (2021) de esta nueva serie es la prueba de ello, además porque a pesar de ser un bronce el artista le dio un color y una textura que parecieran los de una piedra arenosa extraída de la tumba de Keops.

Más significativo fue ver que esos volúmenes de arte del antiguo Egipto estaban convenientemente puestos junto a libros y catálogos de la obra del escultor Constantino Brâncuşi (Gorj, Rumania, 1875 – París, Francia, 1957). Nuevamente lo antiguo y lo moderno se juntaban en la particular selección y orden de su biblioteca, como creando su propio Atlas Mnemosyne. No en vano, la admiración de Vélez por el artista rumano también se hace evidente en la verticalidad de sus piezas y en alguna referencia en ellas a obras como la Columna sin fin (1938), tal vez la escultura que de mejor manera acabó con la tradición figurativa en el arte moderno, convirtiendo el pedestal en la misma obra y en un módulo que se repite hasta el infinito. También podría pensarse que es una proyección de pirámides dispuestas una sobre otra hasta alcanzar 30 metros de altura. Hay una presencia monumental pero a la vez una sensación de fragilidad en esa obra, dos características que Vélez tomó como legado en su producción.

A pesar del seguro sistema con que Vélez elabora el anclaje para que sus piezas se sostengan en equilibrio, los trabajadores de los grandes talleres de Pietrasanta, donde se producen sus obras de formato monumental, no se atreven a emplazarlas sin la presencia del artista. Conscientes de la ambición de su creador por vencer la gravedad, los trabajadores temen que la pieza colapse y por eso el artista es siempre citado para dirigir la erección de esos bloques en cualquier ciudad del mundo donde sea instalada. Sin embargo, el temor es infundado. Nunca una obra suya ha colapsado porque es producida con un rigor matemático, pero lo interesante es que en aquella incredulidad se reafirma la sensación mágica de estar suspendida milagrosamente en equilibrio. De hecho en esa incredulidad es que adquiere gran parte de su encanto. De alguna forma, el temor de sus asistentes coincide con la frase del profesor Kato Kaoru que dijo sobre la obra de Vélez que “sus esculturas están a punto de volar”. “Nuestro cuerpo está limitado por la gravedad, pero tenemos deseos de volar en lo alto liberándonos de esa fuerza. Las obras de Vélez indiscutiblemente están cumpliendo con ese deseo”, escribió el historiador de arte japonés.

Ese sistema técnico bajo el cual sus obras se sostienen empieza en este momento a abrir una nueva puerta que él venía explorando de forma tímida en sus esculturas pero que cada vez se torna más evidente y protagónica: el movimiento cinético. Al engancharse las obras sobre sus pedestales, Vélez ha creado un sistema de pernos que permite manualmente la rotación de las esculturas sobre su eje y que en su dinamismo termina potenciando las cualidades del material con que está hecha la escultura. Por eso, el sistema de equilibrio creado por el artista con pleno interés en rotar las esculturas es más que nada una invitación abierta a tocarlas, no solo para gozar del contacto con el material y experimentar sus texturas, sino además para empujar como hélices o molinos las pesadas obras. Las piezas en metal destellan sus brillos cuando giran, mientras que los mármoles blancos potencian su juego de luz y sombras. Incluso los bordes más finamente tallados sacan a relucir sus transparencias cuando son enfrentados a estos cambios de luz y perspectiva. Nuevamente aquí Vélez está proponiendo en la escultura una conducta que va en contracorriente con el arte clásico que fue su punto de partida. En la Galería Borghese de Roma, las tres obras más magníficas de Gian Lorenzo Bernini se contemplan emplazadas en el medio de una amplia sala, dispuestas para que los espectadores deban recorrerlas. Es el movimiento del espectador alrededor de la obra lo que produce una sensación de dinamismo en El Rapto de Proserpina (1621-1622), de forma que mientras un visitante la rodea, la mujer parece ascender para intentar escapar de los brazos de Plutón. Igual efecto causa Apolo y Dafne (1622-1625), que mientras se les recorre parecen correr con mayor velocidad. Vélez, que ha sido un gran estudioso de la historia de la escultura italiana gracias a su formación en Florencia y a la producción de sus obras en Pietrasanta como los grandes maestros escultores que admira, es además un profundo estudioso de la obra de Bernini, pero no por eso teme llevarle la contraria. Si Bernini obliga al espectador a rodear su escultura, Vélez pone a girar la obra para el espectador.

Hace solo unos años una crítica de arte escribió sobre su obra: “Sin ser cinéticas varias de las piezas nos insinúan un movimiento al mínimo cambio de perspectiva”. Desde 2015, cuando esta descripción hizo parte del catálogo del artista en el Museo Marino Marini de Pistoia (Italia), las cosas han cambiado. Lo que hace unos años era entonces apenas una insinuación que se entreveía en el hieratismo ya es un hecho cinético en su trabajo. Entonces esa proyección cambiante de su obra nos lleva a especular que pronto no será el impulso de un espectador lo que ponga en movimiento las obras, sino un sistema mecánico propio continuo y sinfín. Tal vez Bernini o Brâncuşi lo hubieran contemplado para sus obras, como sí lo hicieron los escultores rusos del constructivismo como Naum Gabo y Antoine Pevsner, quienes concluyeron que este lenguaje abstracto del futuro debía ser en consecuencia elaborado con los materiales y medios propios de su tiempo. La máquina después de todo es otra manifestación poética de las matemáticas, y por tanto parece el lógico camino para un artista que ha explorado profundamente aquella poesía como lo es Vélez.

Ejercicios de Equilibrio al Borde del Vacío, la nueva serie de obras que exhibe actualmente la Galería Duque Arango, es entonces un punto de inflexión en la obra de Gustavo Vélez donde nuevos elementos empiezan a tomar protagonismo en la obra del artista y lo dirigen a direcciones desconcertantes y novedosas. El movimiento y el equilibrio, en palabras del pensador Paul Auster se convierten en un arte vital, y por ello el elogio a un funambulista sobre la cuerda floja parece apropiado para describir el riesgo, el control, y la pericia que destacan esta serie de esculturas.

Por: Susanne Capolongo

Curadora Directora del departamento de Arte Moderno y Contemporáneo de Padolfini Casa D ́Aste Florencia, Italia. Marzo 2020

Lo de Gustavo Vélez es un acto culto y refinado, la pureza estructural de sus esculturas da vida a una aniconicidad que es cálida subrayando un orden medido y definible con resultados geométricos que denotan un estudio predeterminado. Líneas sinuosas y espaciales, que evocan sentimientos ancestrales y ocultos que se refieren a los grandes escultores del pasado: de Brancusi a Barbara Hepworth, pero sobretodo a Jean Arp y Henry Moore, maestros de la abstracción en la escultura. No quiero detenerme en las formas creadas por estos dos últimos artistas, tan diferentes entre sí, en cambio deseo enfatizar su presencia, en la década de 1960, en los mismos lugares que los artistas de todo el mundo todavía frecuentan hoy: Versilia, en particular Forte dei Marmi y las canteras de mármol de los Alpes Apuanos, ya frecuentados en 1500 por Michelangelo Buonarotti.

Gustavo Vélez, estudiante en Florencia, elige como su patria creativa ese territorio que durante siglos ha acogido a escultores y artistas internacionales, convirtiéndose así en un demiurgo de materia y forma. Sus esculturas evolucionan tridimensionalmente gracias a giros calculados y graduales convirtiéndose en estructuras dinámicas. Es por esta razón que Vélez estudia la materia de manera severa y sistemática hasta develar la abstracción que preestableció. Sus formas escultóricas entran en relación con el espacio urbano y arquitectónico que las rodea, y si la arquitectura es la suma de todas las artes, la escultura nos dice lo que percibimos y es en esta comunicación, en esta conexión entre la plástica y la metafísica, entre el silencio y el expansionismo donde se encuentra el trabajo de Vélez.

La contemporaneidad y la antigüedad se convierten en la expresión artística del escultor, una expresión que no se define en el espacio de la materia y la luz, sino que va más allá del límite físico y definido. Vélez, renunciando a todo lo tradicional en el hacer creativo, opta por la variante de la autoemancipación de la escultura cuyo significado se puede leer al interior de la estructura plástica y de la materia y no viene dada ninguna otra interpretación sino aquella primariamete visible.

Gustavo Vélez realiza su lenguaje artístico con una riqueza y libertad de concepciones y resultados, dando al espectador volúmenes puristas y abstractos. La suya es una obra de fuerza y materia que se extiende al espacio como música visual, una música que se expande y contrae dando múltiples posibilidades emocionales. La investigación plástica de Vélez siempre está abierta a los estímulos que el mundo le ofrece, y el mundo siempre está listo para admirar sus obras que permanecerán en el tiempo.